Monolito x-ray sul quale si infrange la natura provvisoria della Comunicazione stessa e del suo Codice mutevole secondo l’odierno meccanismo di “sicurezza” della rigenerazione automatica delle password.
E’ uno specchio del nulla che riflette la cessione dell’Informazione che ormai non ha alcunché di traverso, né di strumentale o manipolatorio bensì opera in forma incosciente sulla reiterazione, il bombardamento mediatico, l’assuefazione alla notizia e sua smentita come corpo unico del processo acritico.

Nel buco o vortice o cono d’ombra di Levo Rosenberg converge la genesi post-moderna del dire, come polo di attrazione dell’inefficacia brulicante del Linguaggio che lascia scie di organizzazioni logiche, patetiche effusioni della parola, fiumi di argomentazioni che riempiono vuoti di trasmissione, assoluti palinsesti vacui a sorreggere unicamente l’introito mediale, la veicolazione di massa qualsiasi purché sia movimento, multidirezionale, di sostentamento finanche autolesivo, in quanto il depauperamento ossessivo del Linguaggio assurge paradossalmente a fonte di lucro.

Il nastro Morse scorre dunque in modo coreografico intorno alla sapienza debole del costrutto di scambio e l’esperienza mutuata, vero scopo di qualsiasi Codice, si arena sulla presunzione dell’interpretazione, favorendo il florilegio individualista delle opinioni funzionale all’identità unica del centro di consumo. Levo Rosenberg riabilita l’epicentro commerciale a funzione di analisi critica, senza bisogno di setacciare il quantum informativo dall’orpello della sillabazione ma tenendolo a stretta misura dal significato. Ciò equivale, nell’etica dei sentimenti, a mostrare il sé diretto della spontaneità e del sentire, l’Arte, riducendo la forma a corredo e non viceversa come è uso corrente.

Levo Rosenberg, apparentemente minimalista, di riciclo materiali e composizione, in realtà esercita una intrapolazione dell’idea, e con essa della materia, rendendo leggibile, epigrafica, statuaria non la contraddizione dei segnali ma l’individuazione critica dei piani concorrenti, forma, orpello, significato esteriore e sua portanza, astraendosi da giudizi di merito, lasciando il fruitore al suo autentico percorso di discernimento.

Un’Opera di sintonia fine del Linguaggio, quella di Levo Rosenberg, un Theremin dell’Arte Contemporanea che convoglia le frequenze reflue verso una dissonanza di tipo meditativo, l’accordatura di uno strumento inesistente che sfida la coercizione e il condizionamento sullo stesso piano della virtualità di sistema.

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Nella cosmogonia della formazione, di ere e pensiero, l’evidenza del codice rappresenta non solo la chiave per l’interpretazione, la conoscenza ma l’espressione dell’attualità immanente che permette al futuro di esplicarsi, visualizzarsi come presente assoluto e vivibile. In Tobia Ravà il flusso che dalle varie scale temporali conduce alla circostanza si avviluppa intorno all’idea, al concetto con istantanee della memoria riabilitata, sottratta alla razionale consecutio e sommata in posizione dinamica anche se inamovibile.

L’approccio ascetico, anacoretico, in Ravà non è l’obiettivo ma il punto di passaggio verso la forma futura attraverso l’interscambio di risultanze matematiche solvibili che hanno lo scopo di esplicare la parvenza come precisa identità collettiva, funzionale all’intorno quindi sganciata dalla velleità di soluzioni dello specifico, dramma filosofico e religioso che ci attraversa dagli albori di questa umanità. Unum. La capacità di accettare tanto il cosmo quanto il vissuto in accezione di unico in Ravà fluisce naturalmente come composizione in fieri, congiungimento e distacco perenni quindi in grado di sedare le dicotomie vita morte, pace guerra, amore odio. Non v’è traccia, nei percorsi di Ravà, di disillusione perché non v’è illusione, ma puro compiacimento verso l’ordine-disordine, caos come origine e tramite, in una virtuale rappacificazione non solo con la cifra, il segno, la congruità ma la loro esaltazione atomica, componenziale quindi fruibile, nella misura in cui si accetta l’ordine senza subirlo. L’Arte di Ravà è un attentato al delirio di onnipotenza dell’essere umano, etimologia del codice segreto.

L’asse portante della teosofia universale di Ravà sta nel suo aspetto coreutico, di topica non convenzionale in cui lo spazio esula dalla sua logistica e da significato si fa significante, in una destrutturazione di tipo onirico che lascia inalterato l’immaginifico, di cui l’uomo necessita come aria, convogliandolo nella certezza dello stato, sicurezza della sensazione ed emozione senza tema che cedano al super-io della condizione pubblica, della struttura che ha voluto sempre la matematica agli antipodi dell’opinione.

Una matemantica della materia, calcolo semantico, quella di Ravà, che svela il sostrato tenue della vita consapevole, fatta di pace, amalgama e attenzione, responsabilità verso ciò che ci ha generati, anche nell’abominio, ma soprattutto verso ciò che nasce da noi in termini di addendi e sviluppo dell’operazione.

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Diario dal bordo

Rita Mele agisce sul registro della memoria e sulla sua traslazione in un avvenire presente, cosa che le permette di trattare il ricordo non in maniera ancestrale, quindi congelato in un piano fisso irripetibile, bensì modulato sulla scala dinamica delle sensazioni, dinamico come ogni passato che viaggia con noi indelebile, oltre la reliquia emotiva che sbiadisce. Viceversa la traccia temporale si consolida, più che emerge, attraverso ciò che è oggi, nel nostro tempo l’editing della sua genesi.

Rita si giova, in questa operazione rappresentativo-mediale, di un colore steso in modo tenue e spigliato, fuori dalla contestualizzazione forzata, tinte pastello cangianti che suggeriscono le dimensioni infinite del farsi, una compatta rarefazione del sentimento, circoscrivendo giustamente l’onirico senza avvolgere il segnale nella nebbia informe di un trascorso opinabile. Difatti il colore muta agevolmente in materico e soprattutto in Linguaggio, quella straordinaria forma della parola scritta di getto, in calligrafia minuta che conduce al cuore del verbo conferendogli l’autentica valenza mediale, comunicativa strettamente connessa con il modulo cronografico.

Il risultato è il compimento dell’attimo in primo luogo, quello che coniuga l’istanza nostalgica, per via dell’apparente finitezza del vivere, con quella sovrannaturale, spirituale, ecosostenibile che trasforma la rimembranza in tracciato per un incontro futuro tutti insieme, come è giusto per ogni vissuto non casuale, ma cosciente, meditato, auspicabile.

Rita quindi elude il concetto deleterio e vacuo della morte con l’ottimistico assemblaggio di cromos e significante, forma e materia, simbolo e parola in un incessante confronto da cui nasce, virtù evocativa della donna, il segno autonomo, cosciente della vita come summa, non già selezione.

E la firma in questo diario dal bordo, di questo tempo e della sua fedifraga irriconoscenza, è in quelle farfalle che Rita trapunta su rotoli di carta per stampante che mostra, come una pellicola, i fori del trascinamento o nei fiori e arbusti secchi, apparentemente sotto teca, che emanano il profumo lieve della delicatezza e della speranza.

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Le derive attuali del Linguaggio consistono nella degenerazione semantica che non tende a creare confusione ma mira a sostituire la visione complessiva con un modello alternativo in una sorta di ritorno dal simbolo all’analogia, in una apparente nuova stesura tecno-logica ispirata. Si passa infinitamente più tempo nell’interpretare le istruzioni macchina che non nell’oggetto del comunicato, tanto che alla fine sfugge il senso stesso dell’argomento rispetto al compositore, che assurge così al livello di Linguaggio teso alla consunzione del rito e dello strumento, a sfavore della comunicazione, vero obiettivo delle nuove leve tecnocratiche.

Le stringhe di dati si affollano, pullulano, debordano. I satelliti proliferano, i progressi si accavallano in uno splatter di dotazione individuale, surplus di mezzi, allo scopo di comunicare sempre meno e, alla fine, più nulla.

Sergio Gabriele

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Wilk Elise tende ad una ricostituzione delle forme a partire dai loro moduli base, colore e tratti primigeni, assemblaggio analogico, quindi post-concettuale, dei toponimi. In ciò emula la struttura infantile del riconoscimento immediato della forma e della sua funzione, esplicando una partecipazione alla pari con il turbine dei significati, una sorta di flusso cogestito. Nell’ottica infantile la rappresentazione è marginale, perché proprio in quanto concorrente diverge l’attenzione da un protagonista, tale è la scena nel suo complesso, il movimento, mentre nella rielaborazione dell’adulto la rappresentazione è fondante, in quanto punta l’attenzione non su di un flusso bensì una ricostituzione. Fino a questo punto non si può parlare di Linguaggio.

In Elise il Linguaggio si attua nella reiterazione degli schemi base su più dimensioni, cosa che il bambino non fa perché agisce su un unico piano sequenza-mentale. Le dimensioni successive hanno il compito di valorizzare, stratificandola, la memoria, non ponendo a caso i logotipi ma collegandoli attraverso una tensione emotiva che risponde all’offesa dei significati di cui il bambino non ha ancora coscienza. Questi si limita a descrivere ciò che la sua mente, oltre i suoi occhi, vede, mentre il processo del Linguaggio artistico tende a vedere prima ciò che poi sarà oggetto di descrizione. Anzi, più accurata è la previsione, più l’attuazione si libera dalla sua scorza di ragionamento e s’illumina della purezza forma, quale che essa sia. In Elise la forma è il candore della premessa.

Ma il prodromo in lei più che nella stesura, autoportante e pulita, è nella prosecuzione degli intenti, ovvero nelle indicazioni della evoluzione possibile. L’evocata ricostituzione delle forme, spesso operazione puramente nostalgica, muta nel suggerimento di un nuovo alfabeto che sappia occuparsi della costituzione della forma più che sulla sua rimembranza. Non si può vivere di passato, ma dal passato è possibile captare la matrice essenziale utile a schivare la degenerazione e riportare il veicolo sulla sua retta via che consiste in un riunire gli opposti e chiudere il cerchio per lasciar posto all’avvenire pensato e plausibile.

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Questo è un foglietto trovato per strada, la carta, la calligrafia fanno pensare a dei ragazzi, i primi che in modo naturale, passionale ricorrono all’uso di Codici. Hidra, Ricercato, auto volanti, ROMERO, Jetpak. Ha il fascino di un messaggio masticato da onde di trasporto siderali e poi lasciato a terra, tanto per l’uomo ha solo valore di cartastraccia. Per i ragazzi l’uso di un Codice può essere spiegato come un artificio per non essere compresi dagli adulti, una ricerca di identità, spesso negata dall’adulto, intesa come esclusività anche se veicolata da una tribù, da un insieme di individui che sono a conoscenza di quel Codice. Eppure in questa nativa, quasi inconscia criptazione del messaggio si rivela la tendenza dell’uomo a suddividersi in agglomerati cellulari rispecchiando la morfologia del suo stesso corpo. Fin qui è legittimo, ma se le parti del corpo, basate su Codici genetici spesso avulsi fra di loro, concorrono poi nella formazione di un unicum perfettamente ergonomico, non parimenti si può dire dell’organizzazione sociale dell’uomo basata su una partizione non concorrente, bensì agli opposti, ad antipodi retorici, ovvero basati su una definizione di identità, esclusività tesa a stigmatizzare il contrario proprio in quanto contrario.

I Codici nascono anche per comodità, abbreviazione, legenda come le istruzioni di un macchinario, ma non sono questi l’oggetto del dubbio, bensì i Codici capziosi, creati come non legenda, cioè fatti per non essere compresi dal nemico. Il Codice ha sostanzialmente una natura fedifraga, quella cioè di rompere il patto di unione con il proprio simile. E’ l’origine della Babele, la punizione inferta dalla divinità per aver l’uomo osato scalarne le vie d’accesso, che è dire ammissione da parte dello stesso di aver fallito l’organigramma di unione a favore invece dell’odio e della disunione.

Il Codice essenzialmente nasce dal rispetto del diverso, linguaggio, odori, usi e costumi, ma quasi immediatamente, dall’infanzia dell’uomo, è stato utilizzato come arma di vendetta su se stesso per essersi riscoperto incapace di vivere.

E così il Codice originario, il Codex, ovvero sequenza di regole per la convivenza si è tramutato in Codice d’Onore, ovvero partizione per la propria sopravvivenza. E così i Codici di Comunicazione, nati per abbreviare le enormi moli di dati a favore di una maggiore comprensione, vedasi il Codice Binario, 0 e 1, dna dell’informatica, sono divenute criptazioni volte all’egemonia. E così il Codice dell’Arte, dei Segni, semiologia e semantica, nati per scomporre misteri e rivelare verità fruibili da tutti, come il tentativo dell’Esperanto, lingua universale, naufragato, ridotto a gioco di intrattenimento, spesso slittano verso derive di esclusività propria ed esclusione degli altri, cui viene negato il diritto d’accesso.

Hydra è un mostro mitologico e un’organizzazione criminale immaginaria dei fumetti.
Jetpack è lo zaino-jet, tentativo di volo individuale, come lo sono le “auto volanti”.
Romero è tante cose, fra cui un Codice Disciplinare e un vescovo martire ucciso dagli squadroni della morte.
Ricercato è un latitante: l’Uomo.

Sergio Gabriele

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I motivi di questa specificazione di Linguaggio sono nella ancora evidente difficoltà di fruizione dell’e-book se visto come una variante telematica del cartaceo. La lettura a video in questo senso resta difficoltosa, a detta dei lettori tradizionali, a volte indisponente per la mancanza degli elementi che rendono avvincente la manipolazione del libro, l’appropriazione che si innesca già al momento dell’acquisto, l’odore, il tatto etc.

Eppure l’e-book sta godendo di un riconoscimento crescente, complice il nodo scorsoio di carattere economico di cui l’editoria tradizionale è vittima da tempo. Il segreto di acquisizione, ormai doverosa, di questa forma di Linguaggio senz’altro futuribile risiede nel cessare di vederlo come un libro, ma come una delle forme di editoria web.

Il proliferare dei Siti Web e in particolare del Blog ne è l’arma di comprensione. Nel Blog il meccanismo di lettura ormai accettato pienamente è quello “verticale”, ossia di una pagina unica che si estende in lunghezza all’infinito pubblicato, intercalato dalla richiesta di poter accedere agli articoli precedenti, o pagine, che è poi l’artificio nativo consolidato nei social-network, Facebook in testa, che nascono in realtà come dei blog trasversali, interattivi.

L’e-book deve essere visto come un metodo simile in “orizzontale”, come viene esplicitato nella preview in basso con tutte le pagine in sequenza. Se si accetta questa variazione di visuale scompaiono le ritrosie legate alla presunta modificazione genetica del libro classico ed è possibile giovarsi delle possibilità che quest’ultimo non ha ed è fiero di non avere. Queste sono: l’immediata disponibilità in rete sui supporti più diversi, computer, tablets, smartphone; la scaricabilità in formato .pdf gratuita o a prezzi senz’altro più accessibili, cosa che consente la stampa e quindi la traduzione nel compianto cartaceo; la condivisione, come avviene nel blog, dell’indirizzo con chi si vuole; la possibilità di iscriversi e quindi ricevere le successive proposte; la possibilità lasciare commenti e quindi certificare la propria approvazione, stilema questo di interattività provata che ha fatto la fortuna dei social-network, ovvero poter esprimere il proprio parere in merito. Ma senz’altro la caratteristica vincente dell’e-book è quella di poter contenere link ad altre aree web immediatamente fruibili, multimediali per la possibilità di accedere a foto, oltre quelle comprese nella stesura, e a video verificabili nel momento stesso in cui ne viene fatto cenno.

Quest’ultima proprietà fece coniare il termine “ipertesto” quando si aveva in animo di applicarla proprio al cartaceo in una sua crescita verso le nuove tecnologie, una esplosione delle note al margine verso possibilità inaspettate e imprevedibili.

L’e-book si propone quindi come un ipertesto e non come un libro elettronico, nel momento in cui la condivisione, lo share, non è più vista solo come chiacchiericcio inutile ma accesso ad una sconfinata banca dati che permetta di coagulare una risultanza, culturale, sociale, umana, esperienziale, nel tempo limitato che oggi è concesso alla ricerca del vivere.

Sergio Gabriele

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Migranze E-book

FemminArt E-book

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In particolare l’avvento dei Social-Network ha influito sulla modifica del modus comunicandi e di conseguenza sul Linguaggio. Il primo elemento è senz’altro la Condivisione che ha variato la cifra stessa del fare Arte, dalla fase concepitiva a quella espositiva. Conoscere anticipatamente, in una qualche misura, il target potenziale influenza la composizione del prodotto finale o quanto meno della sua codifica.

Il Linguaggio sta alla Codifica come la sostanza alla forma, come se il mezzo di comunicazione imponesse un determinato codice, almeno così è stato finora. La vera rivoluzione di quelli che sono assurti alla definizione di Social-Media sta nell’aver trasformato il Linguaggio in Codice, o meglio di aver abolito il passaggio istituendo una forma di codifica pari al Linguaggio. Ciò è dovuto alla velocizzazione della Comunicazione che con il telefono, il cellulare lasciava sul terreno pacchetti essenziali di dati, gap risolto da Internet e dal Web.

La Bacheca,nella sua concezione pubblica, è divenuta essa stessa una forma d’Arte, come avvenne a suo tempo per la mail-art, in quanto ha compresso l’iter prodotto-esposizione nell’unico di attuazione, in tempo reale, o instant-publish da cui è nato l’e-book il quale, prima ancora di essere una innovazione tecnica, peraltro ancora piuttosto scomoda, rappresenta un Codice, ovvero Arte intesa come Linguaggio e non come premessa di attuazione, quindi più attinente alle mutazioni imposte dal vivere attuale, che ci piacciano o meno è del tutto secondario.

Nel 2011 il Progetto Alfabetomorso è divenuto Mostra fisico-virtuale negli spazi espositivi della Galleria EnPleinAir e sul presente Sito-Blog-Web e parimenti il Catalogo nella sua veste cartacea ed e-book, rappresentando in tal modo la nevralgica unione fra concepimento e comunicazione, Linguaggio e Codice.

Oggi Alfabetomorso intende proseguire sulle basi teoriche di osservatorio di un mutamento inarginabile dovuto alla contrazione dei Social-Media in un paradossale recupero di una virginale fase concepitiva in grado di creare alternative di Linguaggio che siano scevre dai condizionamenti di massa. Né fisico né virtuale, ma immancabilmente condivisibile. La Condivisione resta l’eredità pervenutaci dallo splatter dello share, quindi indipendente dal mezzo, selezionabile fra gli innumerevoli messi a disposizione dall’agorà.

Sergio Gabriele

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Catalogo Alfabetomorso 2011

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Bernadetta Ghigo - Ritagli

Ordinata sequenza del disordine, identikit della discomprensione e della sua marcia sfrenata verso la dilaniazione delle identità. Reiterazione degli avatar nell’agognata liberazione da schemi e codici. Esegesi del virtuale. Bit-art. Nel cumulo delle identità si fa avanti la figura della coscienza del mondo, quel fascio di nervi e tensioni che si stempera nella calma virtuale dell’impossibilità voluta. Viceversa l’eleganza del sogno modesto indica la disassuefazione al codice, la fuga dagli imbrigliamenti, ma la voce ieratica è la stessa, il messaggio immutato. Implacabile. Ineludibile.

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Bernadetta Ghigo
Pinasca (To), 1968

Mostre Personali

1999 .Immoto vago, La Villa, San Sebastiano Po (To) (a cura di Enrico Debandi)
1998 .Elogio della fuga, Le Mascherine, Alessandria (a cura di Marzia Migliora, presentazione di Luisa Perlo)
1997 .Trasmigrazioni, Metrò, Torino (a cura di e testo di Enrico Debandi, Davide Cabodi)

Mostre Collettive

2011 .”Alfabetomorso” - Progetto Maionese - Galleria EnPleinAir - Pinerolo (To)
2010 .Work to work, En Plein Air artecontemporanea, Pinerolo (To) (a cura di Marco Filippa)
2007 .Segni. Viaggio nel disegno contemporaneo, Galleria San Lorenzo, Milano (a cura di Mimmo Di Marzio)
2007 .Coincidenze, doppia personale con Marina Buratti, Galleria 41artecontemporanea, Torino (a cura di Lisa Parola, Olga Gambari)
2004 .Il corridoio dell’arte, Sede della Provincia di Torino, Torino
2002 .Una stanza tutta per se, Galleria d’Arte Moderna Ricci Oddi, Piacenza
2001 .Migrazioni, Palazzo del Vecchio Consiglio, Caramagna Piemonte (Cn) .Confini incerti-Figure a levante, Rocca Carolingia, Framura (Sp) (presentazione di Francesca Comisso)
2000 .Proposte XV Regione Piemonte, Laboratorio 1 - memorie accumulazioni archivi, Galleria di San Filippo, Torino (a cura di A.Titolo)
1999 .Ottavo incontro con le artiste torinesi, Palazzo Cisterna, Torino (a cura di Marisa Vescovo)
.Sguardi in profondità, Associazione Culturale Cortile Molasso, Torino (a cura di Guido Curto)
1998 .Carte scoperte, ES Associazione Culturale, Torino .Paraxo ’98 - Biennale di arte contemporanea, Andora (Im) (a cura di Marisa Vescovo e Giorgina Bertolino) .Oscuri Propositi, Metrò, Torino (a cura di Enrico Debandi)
1997 .One night exhibition, Metrò, Torino (a cura di Enrico Debandi) .100% Black Out, Arcate, Murazzi del Po, Torino

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di Sergio Gabriele

Antefatto rarefatto

Luigi Stoisa nella sua Azione gode dell’acclamazione del Tempo in quanto vige, in ogni dinamismo, indotto, succedaneo o focale, la restrizione all’attimo precedente, il raggelamento della cronologia, in una teoria di istantanee del passato che vanno ad allocarsi nel quadro sinottico dell’impossibile, di ciò che la Storia ha decretato come inagibile.

Dagli albori del suo magma, fatto di presenze più o meno antropomorfe ma comunque vigili nella propria assenza, nichilizzazione, Stoisa astrae il raggio di luce che conduce gli interpreti a disfarsi della forma e attraversare le dimensioni reduci quasi fossero ulteriori fondali del proscenio. E’ esattamente da questa decantazione postuma dell’identità che nasce in Stoisa il concetto di Forma, ovvero la sua rivisitazione in termini di veggenza, estrapolazione, Elevazione, per citare una delle sue numerose perform.

Una Forma quindi che trae spunto dal suo Contenitore, il Tempo, per riportare all’attenzione l’immenso lavorio che la Natura, e con esso l’Uomo, fa di una struttura cellulare apparentemente acquisita e che invece è in continua mutazione. Si tratta di una rivoluzione mnemonica del concetto circoscritto di Sostanza, quello che ha condotto alle sviste epocali della politica degli intenti, o della sociologia delle progettualità, che hanno visto la loro conclamazione nell’acquisizione dell’assioma, di tautologia della perfezione perfettibile.

In Stoisa la Forma è labile, e non per assunto, ma per intrinseca sua decretazione, la stessa che un attimo dopo insiste sulla reiterazione della Forma stessa o sulla sua dissoluzione come evoluzione-involuzione in altro tipo di Materia, quindi in altre istanze poste dal divenire, solitamente eluse dagli artisti dell’in-compiuto. Il pensiero della compiutezza cela in sé il suo esatto contrario se non si lascia alla Storia la possibilità di farsi e disfarsi, ergonomia che ha partorito il senso nativo di Democrazia. Stoisa permette al tempo di involversi nella sua stessa prospettiva, ribaltando il concetto di degenerazione in quello di autocostruzione non necessariamente della Forma, ma della sua abitudine all’eterno del dis-facimento, sia nucleare che didascalico, dettato post-moderno di Stabilità.

Più che un esempio, il bitume rovesciato rappresenta l’entrata in scena dell’antefatto, la rarefazione del suo divenire contenuto in nuce, non l’opposizione della teoria negazionista della frantumazione, ma ciò che sta nella natura delle cose e che continua ad esserci nonostante la manipolazione dell’Uomo, che non crea organismi geneticamente modificati, ma si limita ad assisterne l’estrapolazione della mente, che è dell’Uomo ma anche dell’Universo, di cui l’Uomo è minima parte.

Dalla perform del fluido nero della civiltà invisa Stoisa ricava l’acquisizione della Imago in articulo mortis, non già come condizionamento dell’erosione, bensì come emersione degli strati intermedi della coscienza, gli stessi che fluttuano nel centro incandescente dei pianeti e che sono alla base del concetto deviato di Memoria, evidenza, in quanto tale, della vera adulterazione da parte dell’Uomo del suo vissuto, visto come elemento posposto e non come azione concomitante del suo assoluto presente, in una parola, immanente.

Analoghe le considerazioni sullo statico Formale, quello degli schizzi di opere solo casualmente realizzate, anzi, la posa in essere rappresenta da un lato la vanificazione del pre-concetto e dall’altro l’assoluta inconsistenza di qualsiasi risultato, aspetto che si evidenzia dalle note al margine che assistono le opere, e che sviano l’attenzione dall’acquisito per riportare l’idea alla sua stabilità intesa come labilità palesata. Ugualmente nei dipinti, concrezioni, materici, che si mostrano, è vero, nella loro parvenza allocutoria, ma immediatamente espellono il loro quantum rappresentativo in una ideale colata speculare non soltanto delle formule chimiche alla base degli elementi, ma, vieppiù, della sconsacrazione dell’attimo creativo come fissità di una deduzione, visto che per Stoisa qualsiasi deduzione è illogica, non per infatuazione metafisica, ma per semplice abiura del sistema tolemaico ancora vigente nell’Arte.

La fluidità dell’anti-decomposizione, vista non già come ristrutturazione ma come puro incedere, traspare da qualsiasi impianto, nei raccoglitori di colore refluo di un’opera assolutamente terminata, nei segni e graffiti che inopinatamente si giovano del cromatismo successivo, nelle metalliche assuefazioni saldate e smerigliate sul nulla come un rinforzo architettonico su fondamenta inesistenti, ma soprattutto nei giacigli di paglia e fango che fissano il termine dello spazio come accezione temporale, sfatando il ricordo, e con esso la nostalgia, solo apparente, per mostrare invece la fibra molle della corda in acciaio, qualcosa cioè di perfettamente presente, niente affatto rievocativa, ma intima, come una struttura atomica che ci si ostina scientificamente a dividere e invece è lì, sezionabile all’infinito con l’ebbrezza del corpo unico, stabile, appunto, qualunque sia l’esito dell’intervento.

E’ certo che Stoisa ha ormai esautorato il confine fra etica e ragione, idea e sua attuazione, imago e sua traduzione in sogno o realtà indifferentemente, e pone le basi per un superamento del Contemporaneo svecchiato dalle sue derive di tempografia concettuale per assurgere a semplice respiro di un Cosmo che a volte sembra interrotto, irrimediabilmente compromesso, altre sembra preconizzare, proprio attraverso la degenerazione, la vera alba delle idee.

Narciso sul catrame non è soggetto alle mediazioni dell’infinito, ma semplicemente giace, in perfetta mobilità, sulla polla qualsiasi del suo pensiero a venire.

© Sergio Gabriele – EnPleinAir - 15/11/11

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Luigi Stoisa Exhibition
20 Oct-29 Nov
Palazzo Chiablese (ingresso Piazzetta Reale)
Torino

www.stoisa.it

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